martes, 14 de octubre de 2008

lunes, 1 de septiembre de 2008

Expresionismo

Características generales…

El Expresionismo es una corriente pictórica que nace como movimiento a principios del
siglo XX (1905-1925), principalmente en Alemania, aunque también aparece en otros países europeos, ligado al fauvismo francés como arte expresivo y emocional que se opone diametralmente al impresionismo.

Es una corriente artística que busca la expresión de los sentimientos y las emociones del autor más que la representación de la realidad objetiva, cuyas consecuencias múltiples han hecho de él una de las manifestaciones más significativas del espíritu del siglo XX.

Revela el lado pesimista de la vida generado por las circunstancias históricas del momento. La cara oculta de la modernización, la alineación, el aislamiento, la masificación, se hizo patente en las grandes ciudades y los artistas, creyeron que debían captar los sentimientos más íntimos del ser humano. La angustia existencial es el principal motor de su estética.

El fin es potenciar el impacto emocional del espectador distorsionando y exagerando los temas. Representan las emociones sin preocuparse de la realidad externa, sino de la naturaleza interna y las impresiones que despiertan en el observador.

Los elementos más característicos de las obras de arte expresionistas son el color, el dinamismo y el sentimiento. Lo fundamental para los pintores de principios de siglo no era reflejar el mundo de manera realista y fiel —justo al contrario que los impresionistas— sino, sobre todo, romper las formas. El objetivo primordial de los expresionistas era transmitir sus emociones y sentimientos más profundos. De hecho, en cualquier reproducción en blanco y negro de un cuadro expresionista se intuye esa energía y esa emotividad que subyacen a todas sus obras.

La fuerza psicológica y expresiva se plasma a través de los colores fuertes y puros, las formas retorcidas y la composición agresiva. No importa ni la luz, ni la perspectiva, que se altera intencionalmente.

La obra de arte expresionista presenta una esencia dramática, una tragedia interior. De aquí que los personajes que aparecen más que seres humanos concretos reproduzcan tipos.

El primitivismo de las esculturas y mascaras de África y Oceanía también supuso para los artistas una gran fuente de inspiración.

Procedentes; los referentes inmediatos son Van Gogh y Gaugain, tanto por la técnica como por la profundidad psicológica.

Otro grupo de gran influencia es el simbolismo, entendido como la búsqueda en la cual el artista, limitando la pintura objetiva concreta los sentimientos, los estados del alma, los miedos subjetivos, las fantasías y los sueños.

Algo de historia…

Los cataclismos sociales y políticos de la depresión y el quebrantamiento causado por la guerra contra Hittler afectaron profundamente a los jóvenes artistas de Europa y América.

El racionalismo esperanzado de la sociedad moderna estaba desacreditado.
La generación que empezó a pintar en los años 30 y principios de los 40 estaba en una situación desesperada. Se necesitaba un nuevo enfoque para resolver lo que parecía una crisis de temática. Muchos pintores se aproximaron a una estética que repudiaba la hegemonía del intelecto y permitía que el Artista se expresara de forma libre y subjetiva.

El Arte se convertiría en un método de autorrealización; el creador daba la bienvenida a lo accidental y explotaba el azar, haciendo cualquier cosa que pudiera echar su ego a dormir.

El expresionismo se inicia con un periodo preliminar re3presentado por el belga Ensor y el noruego Munch.

Paul Klee tuvo un interés post-freudiano por los sueños, y combino un ingenio refinado con un candor casi infantil. Muchos consideraron que las simplicidades del arte infantil y de los psicópatas eran tan instructivos como la obra de sus precesores.

Un grupo de artistas del norte de Europa sacó del expresionismo Alemán un estilo muy vigoroso y plástico. Los llamados pintores matéricos inventaron una variable novedosa del collage.

Los artistas encontraron muchos aportes en el arte oriental, sobre todo en la caligrafía China, aportes que esclarecieron la crisis de temática que padecían.
Los escritos de Jean-Paul Sastre proporcionaron los textos clásicos; y los artistas abstractos, tanto en América como en Europa, simpatizaron con su teoría de que solo el hombre es responsable de su destino.

Sastre no mantuvo su postura de “salvación a través del arte” por mucho tiempo; sin embargo, fue un concepto que tuvo una resonancia interesante para numerosos artistas que se encontraban en una situación de aislamiento.


Expresionismo Abstracto…

Fue un movimiento pictórico de mediados del siglo XX, cuya principal característica consiste en la afirmación espontánea del individuo a través de la acción de pintar. Existe una gran variedad de estilos dentro de este movimiento que se caracteriza más por los conceptos que subyacen en él que por la homogeneidad de estilos. Como su propio nombre indica, el expresionismo abstracto es un arte no figurativo y, por lo general, no se ajusta a los límites de la representación convencional.

Las raíces del expresionismo abstracto se hallan en la obra no figurativa del pintor ruso Wassily Kandinsky, y en la de los surrealistas, que de forma deliberada utilizaban el subconsciente y la espontaneidad en su actividad creativa.

La llegada a la ciudad de Nueva York durante la II Guerra Mundial (1939-1945) de pintores europeos de vanguardia como Max Ernst, Marcel Duchamp, Marc Chagall e Yves Tanguy difundió el espíritu del expresionismo abstracto entre los pintores estadounidenses de las décadas de 1940 y 1950, que también recibieron la influencia de la abstracción subjetiva de Arshile Gorky, pintor que nació en Armenia y emigró a Estados Unidos en 1920, y de Hans Hofmann, pintor y profesor alemán nacionalizado estadounidense, que hacía hincapié en la interacción dinámica de planos de color.

El movimiento del expresionismo abstracto tuvo su centro en Nueva York formando la llamada Escuela de Nueva York. Aunque los estilos que abarca son tan diversos como los de los propios pintores integrantes, se desarrollaron dos tendencias principales, la de la Action Painting (pintura de acción) y la de los planos cromáticos.

· Action Paiting

Corriente pictórica abstracta de carácter gestual que adoptaron varios miembros de la escuela estadounidense del expresionismo abstracto. Desde el punto de vista técnico, consiste en salpicar con pintura la superficie de un lienzo de manera espontánea, es decir, sin un esquema prefijado, de forma que éste se convierta en un “espacio de acción” y no en la mera reproducción de la realidad.

El término fue acuñado por el crítico estadounidense Harold Rosenberg en 1952 y se refiere principalmente a la obra de Jackson Pollock. También resulta válido, con ciertas limitaciones, para piezas o aspectos aislados de la obra de otros artistas, tales como Arshile Gorky, Hans Hofmann y Robert Motherwell. A veces se utiliza incorrectamente como sinónimo del propio expresionismo abstracto, aun cuando muchos de los artistas pertenecientes a esta escuela jamás emplearon dicha técnica.

El Action Painting tiene sus orígenes en las creaciones automáticas de los surrealistas; por ejemplo, los dibujos y pinturas de arena de André Masson. Sin embargo, la diferencia real entre ambos movimientos no es tanto la técnica como el planteamiento inicial: bajo la influencia de la psicología freudiana, los surrealistas mantenían que el arte automático era capaz de desbloquear y sacar a la luz la mente inconsciente.

· Plano Cromático
Mark Rothko creó rectángulos colmados de colores vibrantes en sus obras, muchas de las cuales son ejemplos de primer orden de la pintura de planos cromáticos. Bradley Walker Tomlin, Philip Guston, Robert Motherwell, Adolph Gottlieb y Clyfford Still combinaron en sus obras elementos de las dos tendencias.

El expresionismo abstracto también floreció en Europa y su influencia se observa en pintores franceses como Nicolas de Stael, Pierre Soulages y Jean Dubuffet. Las manifestaciones del expresionismo abstracto en Europa son el tachismo (del francés tache, 'mancha'), en el que priman las manchas de color, y el arte informal, que niega la estructura formal. Ambas tendencias tienen grandes afinidades con la Action Painting de Nueva York.

· Tachismo
Fue una corriente dentro de la pintura abstracta que se desarrolló hacia 1954.
Aunque el término “tachismo” aparece en principio como un intento de Pierre Gueguin, colaborador de la revista Art d’aujourd’hui, de ridiculizar las nuevas ideas estéticas del crítico Charles Estienne, rápidamente pasó a designar una forma de ser del color provocada al azar. Por lo tanto, según Charles Estienne, firme defensor y teórico de la abstracción, el tachismo exige el rechazo de una estructura premeditada y la confianza en las propiedades físicas del medio, es decir, unos criterios similares a los que podrían definir el arte informal o el expresionismo abstracto.

Esta tendencia muestra una abstracción radical, ni geométrica ni verdaderamente gestual, que se centra en la difusión de la mancha de color.

· Informalismo
Fue un movimiento pictórico europeo que tuvo gran aceptación en España, desarrollado a partir de 1945 en paralelo al expresionismo abstracto estadounidense. El término informalista se adoptó para referirse a la abstracción lírica, opuesta a las tendencias más próximas al cubismo o al rigor geométrico. Los informalistas, que huyen del arte figurativo para entrar en el abstraccionismo, buscan la autenticidad de la pintura, del puro acto de pintar, esto es, la caligrafía, las formas, la mancha y las texturas. En definitiva, la expresión del mundo interior del artista.

Aunque se ha utilizado con frecuencia como cajón de sastre donde incluir las más variadas tendencias, el pleno informalismo se introdujo en España a mediados de la década de los cincuenta de la mano de Juan Eduardo Cirlot y de los textos traducidos de M. Tapié.


Escuela de París – Escuela de Nueva York…

Los pintores franceses nunca abandonaron el contenido, como comúnmente se definía, un mensaje o un signo.

Los pintores de Nueva York trataron duramente de superar ambas cosas.
La 2º Guerra Mundial llevó a los EEUU a muchas figuras clave del arte del S.XX exiliadas de sus propios países: Breton, Chagall, Ernst, Léger, Lipchitz, Masson, Matta y Mondrian, entre otros. Pintores como Masson y Matta que ofrecían telas espontáneas, semiabstractas, llenas de formas sacadas de las profundidades del subconsciente y fueron entonces una presencia directa y no un ejemplo remoto.

Si existe una cualidad que distingue a los expresionistas abstractos norteamericanos de sus contemporáneos de otros países, esta es la intensidad de propósito que les permitió pasar por encima de la convención estilística y de lo que Clement Greenberg denominó la “ciudad pictórica”.

Los pintores de Nueva York dirigieron la mirada a Carl G. Jung, para quien el subconsciente abría puertas no solo a las neurosis individuales sino a los arquetipos universales de la experiencia humana. Su visión era que el subconsciente crea mitos naturalmente y que las Artes son un medio muy importante para mantener con vida los mitos y los símbolos de un mundo que por otra parte es inequívocamente “consciente”.


Die Brücke…

En el año 1902 se funda en Alemania el grupo Die Brücke (el Puente), compuesto por la vanguardia de los pintores norteamiericanos.
Sus fundadores fueron
Ernst Ludwig Kirchner, Bleyl, Heckel y Schmidt-Rottluff, todos ellos estudiantes de arquitectura, a los que se unieron más adelante Nolde y Pechstein en 1906 y Otto Müller en 1910. El fauvista Van Dongen también se unió a ellos e hizo de intermediario con sus compañeros franceses.
La intención del grupo era atraer a todo elemento revolucionario que quisiera unirse, así lo expresaron en una carta dirigida a Nolde; su mayor interés era destruir las viejas convenciones, al igual que se estaba haciendo en Francia.
Según Kirchner, no podían ponerse reglas y la inspiración debía fluir libre y dar expresión inmediata a las presiones emocionales del artista; se preocupan menos de los aspectos formales, hecho que los separaba del fauvismo de Matisse y Braque. Para los alemanes, el contenido era más importante que la forma. La carga de crítica social que imprimieron a la obra les valió los ataques de la crítica conservadora que los tachó de ser un peligro para la juventud alemana. Kirchner ha sido considerado el más genuino representante de El Puente. Fue un artista que retrató las calles y la vida urbana de Berlín de forma novedosa y original. Sus formas secas y puntiagudas, con colores ácidos, son características en obras como La Escuela de Danza de 1914.
Emil Nolde, aunque se saliera del grupo en 1911, también ha sido considerado como uno de los máximos representantes del grupo. Influido por el belga Ensor y por Van Gogh, se sintió fuertemente atraído por el primitivismo negro y por el mito del salvaje. Su búsqueda del paraíso se centró más en la concreción de lo primordial que en actitudes escapistas, plasmando su sentimiento trágico de la naturaleza y su inspiración, de carácter psicológico e instintivo, elementos que han hecho de él un pintor expresionista por excelencia. Hacia 1909, y tras una grave enfermedad, empezó a pintar cuadros de tema religioso, en los que expresó su inspiración mística.
Edvard Munch Aunque no se vincula con el puente es considerado como el padre del expresionismo. Es noruego y hasta 1885 conoce la obra del expresionismo y el simbolismo. Desde 1892, su estilo está plenamente formado, curvas sinuosas, colorido arbitrario, obsesión por la enfermedad y muerte, seres inquietantes que huyen entre una masa de color. Como se observa en su pintura más famosa: "El morix" Su estancia en Alemania hasta 1908 nos explica su influencia en El puente.
En 1913, se produjo la disolución del grupo, consecuencia de las claras diferencias entre sus componentes y del establecimiento de un mercado para todos ellos que complicaba las exigencias de un frente común.

Neven Künstlervereinigung München…
En 1908 respondieron los del Sur con la “Nueva unión de pintores de Munich”. Esta fase inicial forma frente, sobre todo contra el impresionismo.
Pretende por medio de la más vigorosa simplificación plástica y lineal, trasfigurar la naturaleza real. Pero el mundo de los objetos queda intacto; la realidad espacial de un paisaje, subsiste, aunque resueltamente deformada en pro de un nuevo orden sistemático.

Der Blaue Reiter…
A diferencia de El Puente, los artistas del Jinete Azul sentían la necesidad de modular un lenguaje más controlado para emitir sus mensajes. Publicaron libros y organizaron exposiciones. Desarrollaron un arte espiritual, en el que redujeron el
naturalismo hasta llegar a la abstracción. Compartían ciertas actitudes con los expresionistas de El Puente pero tendían más a una purificación de los instintos y lo que querían era captar la esencia espiritual de la realidad; en este sentido sus actitudes eran más refinadas y especulativas. Sus máximos representantes fueron Kandinsky y Franz Marc, sus fundadores; el resto del grupo lo componen Macke, Javlensky y Klee.
Kandinsky llegó a
Múnich en 1896 procedente de Moscú, en 1909 fue nombrado presidente de la Nueva Asociación de artistas de Múnich, donde organizó sendas exposiciones, en los años 1909 y 1910, para presentar el trabajo de los fauvistas y los primeros cubistas. En el catálogo elaborado para la segunda exposición empieza a plantear su teoría del arte que culminará, dos años más tarde, con la publicación de su libro De lo espiritual en el Arte.
En
1912, cuando dimitió de su cargo en la Asociación, fundó junto con Marc El Jinete Azul. El nombre deriva del amor de Kandinsky por los jinetes y del de Marc por los caballos. El grupo acabará dispersándose con la guerra, en la que murieron Macke y Marc. Las dos primeras exposiciones del Jinete Azul fueron de obra gráfica y de dibujos.
En
1913 fueron invitados a participar en una muestra internacional en Berlín llamada El Salón de Otoño Berlinés. Su poética se definió como un expresionismo lírico, en el que la evasión no se encaminaba hacia el mundo salvaje sino hacia lo espiritual de la naturaleza y al mundo interior. Para Kandinsky, el camino de la pintura debía ser desde la pesada realidad material hasta la abstracción de la visión pura, con el color como medio, por ello desarrolló toda una compleja teoría del color. En La Pintura como arte puro, libro de 1913, sostiene que la pintura es ya un ente separado, un mundo en sí mismo, una nueva forma del ser, que actúa sobre el espectador a través de la vista y que provoca en él profundas experiencias espirituales. Años antes, en 1910, Kandinsky había realizado las primeras acuarelas abstractas.
Para Klee, el artista debía integrarse en las fuerzas de la naturaleza y actuar como medium, de manera que sus creaciones llegasen a ser aceptadas del mismo modo que se aceptan los fenómenos de la naturaleza. A diferencia de Kandinsky, Klee estaba convencido de que el arte puede captar el sentido creativo de la naturaleza y, por tanto, rechazaba la abstracción absoluta. Formalmente, Klee se dejó influir al principio, al igual que Macke, por el cubismo de Delaunay y su ley óptica de los contrastes simultáneos, al mismo tiempo que fue el primer artista que se adentró en los dominios del inconsciente que Freud y Jung estaban comenzando a estudiar.
Tras la disolución del grupo, en
1919, Walter Gropius funda la Bauhaus en Weimar, escuela de diseño y arquitectura, cuyos profesores fueron los más famosos maestros del expresionismo constructivo, en ella impartieron clases hombres como Feininger, Klee o Kandinsky.
Finalizada la primera guerra mundial en Alemania, se desarrolla el Realismo Expresionista, movimiento en el que los artistas se separan de la abstracción, reflexionando sobre el arte figurativo y rechazando toda actividad que no atienda a los problemas de la acuciante realidad de la posguerra. Encarnan este grupo
Otto Dix, George Grosz, Max Beckmann y el escultor Barlach.

Biografías…

Beckmann, Max (1884-1950), estudia en la Escuela de Artes en Weimar. Se casa con Minna Tube. Es miembro de la Secesión de Berlín. Se enrola voluntariamente como soldado sanitario. En 1915 sufre un colapso nervioso, se traslada a Francfort del Meno. En 1925 es contratado como profesor en la Städelschule. En 1933 lo despiden de su cargo de profesor, marcha a Berlín. En 1937, en el marco de la acción Arte Degenerado, 590 obras suyas son secuestradas de los museos alemanes, emigra a Ámsterdam. En 1947 emigra a EEUU en donde obtiene un cargo de profesor en la Washington University Art School en St. Louis. En 1949 pasa a ser profesor en la Art School Brooklyn Museum en Nueva York.

Campendonk, Heinrich (1889-1957), estudio en la Escuela de Artres y Oficios de Krefeld, alumno de Thorn-Prikker. En 1911 se traslada a Sindelsdorf, en donde contrae amistad con Mare y Macke. En 1915 participa en el Primer Salón de Otoño Alemán Berlín y en la exposición Expresionistas Renanos de Bonn. En el período de 1914-1916 es soldado durante la guerra, se traslada a Seeshaupt al pie del Lago Starnberger. Durante 1919-1921 es miembro del Consejo del Arte. En 1922 regresa a Krefeld, en donde trabaja como profesor de la Escuela de Artes y Oficios local. En 1926 pasa a ser profesor de la academia de Artes de Ámsterdam. En 1937, en el marco de la acción Arte Degenerado, 87 de sus obras son raptadas de los museos alemanes.

Dix, Otto (1891-1969), durante el período 1905-1909 aprende el oficio de pintor curador. Desde 1909 a 1914 estudia en la Escuela de Artes y Oficios de Dresde. En 1914 se rola como voluntario en el Ejército. Al volver estudia en la academia de Arte de Dresde. En 1919 se hace miembro fundador de la Secesión Dresde-Grupo 1919. En 1920 participa en la Primera Feria Internacional DADA Berlín. Desde 1919 a 1922 continúa sus estudios en la Academia de Arte de Dusseldorf. Luego trabaja como profesor en la academia de Artes Dresde. En 1931 se hace miembro de la Academia de Artes de Prusia. En 1955 es despedido del cargo de profesor. En 1937 260 obras suyas son raptadas bajo el cargo de Arte degenerado. En 1939 es mandado a prisión por corto tiempo. En 1950 consigue un cargo como profesor en la academia de Arte de Dusseldorf.

Feininger, Lyonel (1871-1956), estudio en la academia de Artes de Berlín. En 1890 realizo sus primeras caricaturas. En el período 1893-1906 continúa su estudio en la Académie Cola Rossi de París. Durante 1895-1906 vuelve a Berlín, trabaja como caricaturista para revistas amenazas y norteamericanas. En 1906-1907 tiene una estancia en París. 1907, empieza a trabajar exclusivamente en la pintura. En 1909 se hace miembro de la Secesión de Berlín. En 1918 es miembro del Grupo de Noviembre. Durante 1919-1933 es maestro en la Bauhaus de Weimary Dessau. En 1924 funda junto con Alexej von Jawlensky, Wassily dandinsky y Klee el Grupo Die Valúen Vier (el jinete azul). En 1936 emigra a EEUU, y es profesor en el Mills Collage en Oakland en California. En 1945 es profesor en el Black Mountain Collage, en Carolina del Norte.

Felixmüller, Conrad (1897-1977), estudio en la escuela de artes y oficios de Dresde. En el período 1912-1915 continúa sus estudios en la academia de Artes de Dresde. En 1917 se hace mimbro de la Comunidad Artística Expresionista de Dresde, se niega a hacer el servicio militar durante la guerra. En 1919 se vuelve miembro fundador de la Secesión de Dresde-grupo 1919, miembro del Grupo de Noviembre. En 1934 se muda a Berlín. En 1937, en marco de la de la acción Arte Degenerado, 151 obra suyas son raptadas de los museos alemanes. 1944 su estudio de Berlín es destruido en un bombardeo aéreo, se traslada a Tautenhain, servicio militar en guerra. Desde 1949 a 1962 es profesor en la universidad Halle. En 1967 se traslada a Berlín se traslada a Berlín Occidental.

Grosz, George (1895-1959), estudio en la Academia de Artes de Dresde. Durante 1912-1916 continúa sus estudios en la Escuela de Artes y Oficios de Berlín. En 1913 viaja a París, en 1914 se incorpora al servicio militar en la guerra. En 1915 es dado de baja del servicio militar, amistad con Herzfelde. 1917 hay un nuevo llamamiento a la reserva territorial, internamiento en un hospital.

En 1918 tiene el juicio de guerra por agresión física a un superior, miembro fundador del Club Dadá. Durante 1919-1920 es el co-editor de las revistas Die Pleite (el fracaso), Der blutige Ernst (la seriedad sangrienta) y Der Dada (el Dadá). En 1920 es el co-organizador de la Primera feria Internacional DADÁ de Berlín. En 1928 es enjuiciado por blasfemias contra la divinidad. En 1931 es fprfesor invitado en la Art Student League de Nueva York.

En 1935 no vuelve a Alemania, sino que permanece en los EEUU en calidad de inmigrante, profesor permanente en la Art Student League. En 1937 en el marco de la acción Arte Degenerado, 285 obras suyas son raptadas de los museos alemanes. En 1938 recibe la ciudadanía norteamericana. Durante 1941-1942 es profesor en la Columbia University de Nueva York. 1959 vuelve a Berlín Occidental.




Kandinsky, Wassily (1866-1944), pintor ruso cuya investigación sobre las posibilidades de la abstracción le sitúan entre los innovadores más importantes del arte moderno. Desempeñó un papel fundamental, como artista y como teórico, en el desarrollo del arte abstracto.

Nacido en Moscú el 4 de diciembre de 1866, estudió pintura y dibujo en Odesa, y derecho y economía en la Universidad de Moscú. Con 30 años se trasladó a Munich para iniciarse como pintor. Aunque sus primeras obras se enmarcan dentro de una línea naturalista, a partir de 1909, después de un viaje a París en el que quedó profundamente impresionado por la obra de los fauvistas y de los postimpresionistas, su pintura se hizo más colorista y adquirió una organización más libre. Murnau: la salida a Johannstrasse (1908) y Pintura con tres manchas (1914), ambas en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid (España), son dos de las obras que realizó en Munich antes de volver a Rusia tras el comienzo de la I Guerra Mundial. Hacia 1913 comenzó a trabajar en las que serían consideradas como las primeras obras totalmente abstractas dentro del arte moderno: no hacían ninguna referencia a objetos del mundo físico y se inspiraban en el lenguaje musical, del que tomaban los títulos.

En 1911 formó, junto con Franz Marc y otros expresionistas alemanes, el grupo Der Blaue Reiter (El jinete azul, nombre que procede de la predilección de Kandinsky por el color azul y de Marc por los caballos). Durante ese periodo realizó tanto obras abstractas como figurativas, caracterizadas todas ellas por el brillante colorido y la complejidad del dibujo.

Su influencia en el desarrollo del arte del siglo XX se hizo aún mayor a través de sus actividades como teórico y profesor. En 1912 publicó De lo espiritual en el arte, primer tratado teórico sobre la abstracción, que difundió sus ideas por toda Europa. Entre 1918 y 1921 impartió clases en la Academia de Bellas Artes de Moscú, y entre 1922 y 1933 en la Bauhaus de Dessau, Alemania.

Después de la I Guerra Mundial sus abstracciones se volvieron cada vez más geométricas, a medida que se alejaba del estilo fluido de su primera época para introducir trazos muy marcados y diseños claros. Composición VIII nº 260 (1923, Museo Guggenheim, Nueva York, Estados Unidos), por ejemplo, es un armónico conjunto de líneas, círculos, arcos y otras formas geométricas simples. En obras muy posteriores como Círculo y cuadrado (1943, colección privada) su estilo se hace más elegante y complejo, y logra, así, obras de un bellísimo equilibrio.

Fue uno de los artistas más influyentes de su generación. Como uno de los primeros exploradores de los principios de la abstracción geométrica o pura, puede considerársele uno de los pintores que sembró la semilla del expresionismo abstracto, escuela de pintura dominante desde la II Guerra Mundial. Murió el 13 de diciembre de 1944 en Neuilly-sur-Seine, en las afueras de París.

Ernst, Max (1891-1976), artista alemán nacionalizado francés que fue una figura fundamental tanto en el movimiento dadá como en el surrealismo. Se caracterizó por la utilización de una extraordinaria diversidad de técnicas, estilos y materiales.

Nacido en Brühl, en 1909 ingresó en la Universidad de Bonn donde estudió filosofía y psiquiatría. Se alistó en el ejército alemán durante la I Guerra Mundial. Cuando Ernst dejó el ejército ya había surgido en Suiza el movimiento dadá; atraído por la revolución dadaísta contra lo convencional, Ernst se instaló en Colonia y comenzó a trabajar en el collage. En 1922 se trasladó a vivir a París, donde comenzó a pintar obras surrealistas en las que figuras humanas de gran solemnidad y criaturas fantásticas habitan espacios renacentistas realizados con detallada precisión (L'eléphant célèbes, 1921, Tate Gallery, Londres). En 1925 inventó el frottage (que transfiere al papel o al lienzo la superficie de un objeto con la ayuda de un sombreado a lápiz); más tarde experimentó con el grattage (técnica por la que se raspan o graban los pigmentos ya secos sobre un lienzo o tabla de madera). Ernst fue encarcelado tras la invasión de Francia por los alemanes durante la II Guerra Mundial; en la prisión trabajó en la decalcomanía, técnica para transferir al cristal o al metal pinturas realizadas sobre un papel especialmente preparado. En 1941 emigró a Estados Unidos con la ayuda de Peggy Guggenheim, que se convertiría en su tercera esposa en 1942. En 1953 regresó a Francia y a partir de entonces sus obras gozaron de una notable revalorización.

A lo largo de su variada carrera artística, Ernst se caracterizó por ser un experimentador infatigable. En todas sus obras buscaba los medios ideales para expresar, en dos o tres dimensiones, el mundo extradimensional de los sueños y la imaginación.

Hofmann, Hans (1880-1966), pintor y profesor alemán nacionalizado estadounidense en 1941, conocido como el decano del expresionismo abstracto. Nació en Weissenberg, Baviera, el 21 de marzo de 1880, y estudió pintura en Múnich y París, Francia. Recibió influencias del fauvismo, del cubismo y del expresionismo alemán. En 1915 abrió una escuela de arte moderno en Múnich. En 1932 emigró a Estados Unidos y en 1933 inauguró una escuela en Nueva York. Después de 1940 su estilo, en el que se mezclan los planos cubistas con la brillantez de la paleta fauvista, como puede observarse en Fantasía en azul (1954, Museo Whitney de Arte Americano, Nueva York), comenzó a evolucionar hacia una pintura gestual. Durante esos años muchos pintores expresionistas abstractos acudieron a sus clases absorbiendo sus enseñanzas sobre el arte no representativo. En 1958 Hofmann abandonó la enseñanza para dedicarse a la pintura, con la que obtuvo reconocimiento internacional. Murió el 17 de febrero de 1966 en Nueva York.

Kooning, Willem de (1904-1997), pintor estadounidense de origen holandés, perteneciente al expresionismo abstracto, que ha tenido una enorme influencia de ámbito internacional en los estilos artísticos posteriores.

Nació en Rotterdam, Países Bajos, y abandonó la escuela a la edad de 12 años para trabajar como aprendiz en una empresa de artistas comerciales y decoradores. También asistió a clases de arte en la Academia de Rotterdam.

En 1926 se trasladó a Estados Unidos y trabajó durante una época como pintor de brocha gorda y, algo después, como artista comercial. Durante la década de 1930 pintó murales dentro del programa de arte de la administración federal, dando muestras de conocer profundamente a Picasso, más que cualquier otro artista de la época excepto Arshile Gorky. En 1948 expuso por primera vez en Nueva York una serie de obras abstractas realizadas en blanco y negro, lo cual le situó como uno de los creadores más significativos del expresionismo abstracto de la escuela de Nueva York. El término action painting se aplicó por primera vez a la obra de Willem de Kooning y hace referencia a sus trazos vigorosos, amplios y muy marcados. Dos de los lienzos más sobresalientes que se conservan de este periodo son Asheville (1948, Colección Phillips, Washington) y Excavación (1950, Instituto de Arte de Chicago).

En 1953, Willem de Kooning mostró al público un conjunto de seis obras denominadas Mujer, figuras demoníacas pintadas con colores violentos y gruesos empaste. Era una serie innovadora porque unía la pintura figurativa con el arte abstracto. A finales de la década de 1950 evolucionó hacia un estilo más abstracto en sus obras, que evocan formas paisajísticas y, desde entonces, alternó el estilo figurativo y el abstracto, combinándolos en ocasiones. Al mismo tiempo también hizo litografías y, desde 1969, esculturas figurativas en bronce. En 1980 ganó junto al español Eduardo Chillida el Premio Andrew W. Hellon en el Pittsburgh International. En el Museo Whitney de Arte Americano de Nueva York se celebró en 1983-1984 una exposición retrospectiva de su obra.

Gottlieb, Adolph (1903-1974), pintor expresionista abstracto estadounidense. Entre 1941 y 1951 pintó una serie de obras, influido por el surrealismo europeo, a las que llamó pictografías, que consistían en dividir los cuadros en una serie de compartimientos que rellenaba con símbolos procedentes de la fantasía y del inconsciente. Ejemplo de esta serie es El retorno del viajero (1946, Museo de Arte Moderno, MOMA, Nueva York, Estados Unidos). Las obras de su serie Paisajes imaginarios (1951-1956) son composiciones parcialmente abstractas, que están divididas por una línea horizontal y en las que aparecen unos discos u ovoides que representan el Sol. Su última serie, Explosión (a partir de 1957), muestra unos estallidos de grandes esferas de color que recuerdan a cuerpos solares.

Bibliografía…
Everitt, Anthony – El Expresionismo Abstracto – Editorial: Labor S.A. 1975
Roh, Franz – Realismo Mágico – Revista de Occidente
Seminario de las Estéticas – Expresionismo Nº 4
www.wikipedia.org – 10 / 07 /2008 - 20.30hs
www.arteespana.com – 10 /07/2008 – 21.00hs